1 апреля 1809 года родился великий русский писатель Николай Васильевич Гоголь.

Первую большую славу принесли Гоголю «Вечера на хуторе близ Диканьки», которые он опубликовал в 1831–1832 годах. В 1832 году Гоголь приезжает в Москву уже известным писателем.

Если отвлечься от «мировых вопросов», можно вспомнить, что малороссы не могли простить Гоголю отступничества, великороссы упрекали, что лучшая, поэтическая часть его души осталась «на хуторе близ Диканьки», а в России он увидел только Хлестаковых, Ноздревых, Плюшкиных и Маниловых.

Самый страстный оппонент Гоголя Василий Розанов писал в 1902 году: «Гоголь – это огромный край русского бытия. Но с чем же он пришел к нам, чтобы столько совершить? Только с душою своею, странною, необыкновенною. Ни средств, ни положения, ни, как говорится, “связей”. Вот уж Агамемнон без армии, взявший Трою; вот хитроумно устроенный деревянный конь Улисса, который зажег пожар и убийства в старом граде Приама, куда его везли. Так Гоголь, маленький, незаметный чиновничек “департамента подлостей и вздоров” (“Шинель”), сжег николаевскую Русь…». 

Дух Гоголя еще долго будет тревожить наши земные пределы (не случайна, видимо, легенда о том, что его погребли живым). Перечтите хотя бы его повесть «Тарас Бульба», и вы обнаружите, что он говорит с нами на живом языке злободневности.

Источник: Мастера литературы, театра и кино//составитель Н.Б. Сергеева. – М.: Вече, 2006.

Статья «Николай Гоголь: щеголь, коллекционер, рукодельник» на портале Культура.РФ 

4 апреля 1932 года родился выдающийся режиссер Андрей Тарковский. 

Имя Тарковского не нуждается в особом представлении. Еще при жизни (а прожил он до обидного мало – всего 54 года) многие ведущие деятели искусства и киноведы говорили о нем как о классике не только российского, но и мирового кино. А при опросе кинокритиков в начале 70-х годов большинство опрошенных безоговорочно поставили его фильм «Андрей Рублев» на первое место, как лучший фильм, созданный за всю историю отечественного кино.

Каждая его новая картина вызывала ожесточенные споры и далеко не однозначные оценки. Противников было ненамного меньше, чем горячих сторонников. А его напряженные отношения с тогдашней властью вынудили его в конце концов уехать за границу. Теперь его вдруг возлюбили все. О нем много пишут, ему посвящают научные конференции, и стало как бы дурным тоном говорить о нем плохо.

Заслуга Тарковского, как и всякого другого незаурядного художника, в том, что он раздвинул рамки искусства как в области художественных идей, так и киноязыка. Он на шаг впереди времени, и теперь его послания доходят до нас как бы из будущего.

С выходом каждой новой картины его пытались приписать к тому или иному направлению в искусстве, найти место в шкале существующих художественных ценностей. То его причисляли к поэтическому кино («Иваново детство»), то вдруг начинали обвинять в натурализме («Андрей Рублев»), то находили в его произведениях изысканный интеллектуализм. Сам Тарковский всегда на первое место ставил возможность заглянуть в душу своих героев. «У меня пристрастие, – говорил он, – рассматривать героев в момент их кризиса, душевного перелома. Но в итоге видеть человека победившего или по крайней мере не сломленного. Несмотря на кризис».

Источник: Андрей Тарковский//составитель Я. Ярополов. – М.: Алгоритм, 2002.

Документальный фильм «Острова. Андрей Тарковский» (2000). 

5 апреля 1874 года в Вене в театре «Ан дер Вин» состоялась премьера оперетты «Летучая мышь» Иоганна Штрауса (сына).

По сей день она не сходит с театральной сцены и пользуется популярностью у самой широкой аудитории. «Летучая мышь» – классический образец танцевальной оперетты. В ней танец становится средством воплощения любой ситуации – от мелодраматической до чисто комедийной. Здесь «вытанцовывается» все: брызжущее веселье и поддельные слезы; мнимый испуг и забавные вспышки гнева.

В «Летучей мыши» неизмеримо возросло мастерство Штрауса как музыкального драматурга. Это сказалось в хоровых сценах и финалах, особенно во II действии, к финалу которого композитор приберег самые яркие, запоминающиеся мелодии: они заражают, властно влекут за собой.

Сегодня трудно представить, что «Летучая мышь», украшение репертуара лучших театров мира, не выдержала и двадцати представлений в первом сезоне. Быть может, это объясняется подавленным настроением венцев, еще не оправившихся после биржевой катастрофы 1873 года. Жизнерадостная музыка оперетты не соответствовала грустным настроениям слушателей; буржуазии, добродушно осмеянной в новом произведении Штрауса, было не до смеха.

Пресса встретила новое произведение противоречиво. Наряду с критическими оценками подчеркнутой танцевальности оперетты и некоторой тривиальности отдельных мелодий раздавались голоса, хвалившие тщательность, с которой Штраус любовно выписывает развитую вокальную партию и строит мощные, насыщенные музыкой финалы.

Источник: Мейлих Е. Иоганн Штраус. – Ленинград: Музыка, 1975.

Оперетта «Летучая мышь» на сцене театра «Московская оперетта» 

9 апреля 1925 года родился скульптор и график Эрнст Неизвестный – автор монументальных композиций «Дерево жизни», «Шахтерам Кузбасса», мемориала узникам магаданских лагерей «Маска скорби».

К концу 50-х годов Эрнст Неизвестный вырабатывает концепцию скульптуры, в особенности монументальной, которая в качестве платформы его творчества в дальнейшем не претерпела никаких существенных изменений. В 1975 году скульптор излагает ее главные пункты следующим образом: «Исходным опытом, который заставил меня по-новому взглянуть на искусство, в том числе и на скульптуру, была война. В войне (в особенности для тех, кто в ней участвовал) была очевидна некоторая, хотя и античеловеческая, но становящаяся частью людей и заставляющая их убивать друг друга сила. Война – это чужеродный элемент в живом, ведущий его к смерти… Соотношение жизнь-смерть было для меня в первые годы работы почти навязчивой идеей. Жизнь-смерть – это максимально напряженное внутреннее отношение. Пожалуй, отталкиваясь от этой противоположности, я пришел к выводу о том, что, в отличие от монологической скульптуры, диалогическая скульптура способна выразить гораздо полнее и глубже состояние души, внутреннее состояние человека вообще… Ведь фиксация именно этой реальности, а не чистых соотношений объемов и пространств, является целью скульптуры. Принцип диалогизма означает для меня необходимость постоянно формировать материал скульптуры как борьбу начал. Эти начала – добро и зло, мужское и женское, справедливость и несправедливость, холодное и горячее, острое и тупое и т.д.».

Источник: Новиков Н. Эрнст Неизвестный: искусство и реальность. – Нью-Йорк, 1981.

Статья о скульпторе на портале Культура.РФ 

15 апреля 1874 года в Париже открылась первая выставка произведений художников-импрессионистов.

Помещение для выставки представилось в виде мастерских, только что оставленных фотографом Надаром, который, по свидетельству Моне, передал им его бесплатно. Мастерские находились на втором этаже здания, на углу улицы Дону и бульвара Капуцинок, в самом центре Парижа. Это был ряд больших комнат с красновато-коричневыми стенами, на которые свет падал сбоку, как в жилом помещении. Широкая лестница вела в эти галереи прямо с бульвара Капуцинок.

Местоположение выставки надоумило Дега, все еще стремящегося придать этой затее «нейтральный характер», предложить, чтобы группа называлась «Капуцинка» (настурция) и использовать этот цветок в качестве эмблемы на афишах выставки. Но это не было принято. Ренуар тоже был против определенного названия выставки. «Я боялся, – объяснял он впоследствии, – что если мы назовем себя “некоторые” или «определенные», критики тотчас же заговорят о “новой школе”». В результате было решено, что группа будет называться «Анонимное общество художников, живописцев, скульпторов, граверов и пр.».

Выставка должна была продолжаться один месяц, открыта она была с десяти до шести и, что тоже было нововведением, – с восьми до десяти вечера. Входная плата составляла один франк, каталоги продавались по пятьдесят сантимов.

Вначале выставка, видимо, хорошо посещалась, но публика ходила туда главным образом посмеяться. Кто-то пустил анекдот, что метод этих художников-импрессионистов состоит в том, что пистолет заряжается несколькими тюбиками краски, после чего из него стреляют в холст и завершают работу над картиной подписью. Критики были либо слишком суровы в своих отзывах, либо просто отказывались серьезно воспринимать выставку.

Источник: Дж. Ревалд.  История импрессионизма. – Ленинград: Искусство, 1959.

18 апреля 1882 года родился знаменитый американский дирижер Леопольд Стоковский. 

Стоковский – яркий, ни на кого не похожий дирижер, пламенный популяризатор искусства в широких массах, создатель оркестров, воспитатель молодежи, публицист, герой кинофильмов – стал в Америке, да и за ее пределами, почти легендарной личностью. Соотечественники нередко называют его «звездой» дирижерского пульта.

Началом его мировой славы многие критики считают тот день 1916 года, когда Стоковский впервые продирижировал в Филадельфии (а затем в Нью-Йорке) Восьмой симфонией Малера, исполнение которой вызвало бурю восторга. Тогда же артист организует свои циклы концертов в Нью-Йорке, ставшие вскоре знаменитыми, специальные музыкальные абонементы для детей и молодежи.

Вместе с тем Стоковский много экспериментировал. Одно время, например, он упразднил должность концертмейстера, доверяя ее поочередно всем оркестрантам. Так или иначе, ему удалось добиться поистине железной дисциплины, максимальной отдачи со стороны музыкантов, неукоснительного выполнения ими всех его требований и полного слияния исполнителей с дирижером в процессе музицирования.

На концертах Стоковский прибегал иной раз и к световым эффектам, и к использованию различных дополнительных инструментов. А главное – ему удавалось достигать огромной впечатляющей силы в интерпретации самых разнообразных произведений.

Дирижер впервые побывал в СССР еще в 1935 году. Но тогда он не выступал с концертами, а лишь знакомился с сочинениями советских композиторов. После этого Стоковский впервые исполнил в США Пятую симфонию Шостаковича. А в 1958 году прославленный музыкант с огромным успехом концертировал в Москве, Ленинграде, Киеве.

Источник: Современные дирижеры//составители Л. Григорьев и Я. Платек. – М.: Советский композитор, 1969.

Ссылка на фрагмент выступления из фильма «Сто мужчин и одна девушка» 

19 апреля 1900 года в Луганске родился советский кинорежиссер-сказочник, сценарист и художник Александр Лукич Птушко.

Режиссер, прославившийся позже своими киносказками, начинал работу в кино как художник, специалист по макетам и «комбинированным съемкам». С особой охотой кинокудесник участвовал в производстве мультфильмов.

Режиссер, художник, кукловод, сценарист, он сам делал своих кукол, возводя волшебный мир вокруг них и смешивая на холсте кино две реальности: явь и кукольную магию.

В середине 30-х годов на весь мир прогремел советский кинохит, фильм, созданный с помощью мультипликации, «Новый Гулливер». Современников в этом кукольном фильме поражали движение, облик, «актерская игра» и самобытные характеры кукольных персонажей, существующих «на равных» с актерами. Зрительский успех «Гулливера» превзошел все ожидания. Зритель голосовал «за». Право на экранную жизнь было окончательно завоевано. Эксперименты стали нормой в мультипликации.

На «Мосфильме» Александр Птушко в конце 30-х поставил еще один комбинированный фильм «Золотой ключик», где актеры-куклы уже играли подчиненную роль.

Птушко уйдет в игровое кино – сначала на время, а с началом войны, когда исчезнет возможность кукольного производства, – навсегда.

Источник: Энциклопедия отечественной мультипликации//составитель С.В. Капкова. – М.: Алгоритм, 2006.

Александр Птушко. «Сказки утешают». Статья с подборкой фильмов режиссера.

20 апреля  1881 года  родился композитор Николай Яковлевич Мясковский.

Композитор и музыкальный критик, общественный деятель и чуткий педагог, Мясковский неотделим ни от русской классической музыки в ее высоких, прогрессивных образцах, ни от советской музыкальной культуры, строителем которой он стал с первых лет ее существования.

Николай Яковлевич – автор огромного творческого наследия: его перу принадлежат 27 симфоний, 13 квартетов, две кантаты, свыше 100 фортепианных и более 100 вокальных произведений. Более чем за четыре десятилетия своей творческой деятельности Мясковский воспитал целое поколение советских композиторов, среди которых А. Хачатурян, Д. Кабалевский, В. Шебалин и Б. Мокроусов, Н. Пейко и Б. Чайковский, А. Эшпай, А. Локшин и многие другие композиторы, известные не только в нашей стране, но и за рубежом.

В историю русской советской музыки Мясковский вошел прежде всего как выдающийся симфонист, глава советской симфонической школы. Творческий метод Мясковского, сложившийся еще до революции под воздействием русского классического симфонизма XIX века и развивавшийся параллельно с симфонизмом современников Мясковского – Рахманинова, Скрябина, Танеева и других русских композиторов, вобрал в себя и все новое, жизнестойкое в западно-европейской музыке. Все произведения композитора пронизаны естественностью и правдой музыкального выражения, народностью в ее высшем понимании – мелодичностью, близостью к фольклору.

Источник: Кудряшов Ю.  Н.Я. Мясковский. – Ленинград: Музыка, 1987.

Ссылка на трансляцию концерта в рамках проекта Свердловской филармонии «Мясковский. Диалоги» 

21 апреля 1922 года  родился режиссер Станислав Ростоцкий.

Станислав  Иосифович Ростоцкий принадлежит к послевоенному поколению кинематографистов, пришедших во ВГИК с фронта. Не удивительно, что значительное место в его творческой деятельности занимает тема Великой Отечественной войны. Этой теме посвящены такие фильмы как: «Майские звезды», «На семи ветрах», «А зори здесь тихие». Эти картины Ростоцкого стали важным этапом в разработке военно-патриотичекой темы в советском кинематографе.

Фильмам Станислава Ростоцкого присущи глубокое внимание к сокровенному миру человека, а также активная гражданская позиция, проявляющаяся не в открыто публицистических приемах, а в формах исследования самой жизни, ее внутреннего движения. Так, например, в фильме «Доживем до понедельника» (1968) будничная жизнь школы дана режиссером через острые психологические конфликты, столкновение разных характеров и судеб. Традиционный мотив смены поколений звучит в картине как мотив личной ответственности каждого человека, независимо от его возраста, перед другими людьми.

Источник: Кино. Энциклопедический словарь//гл. редактор С.И. Юткевич. – М.: Советская энциклопедия, 1987.

Документальный фильм «Острова. Станислав Ростоцкий» 

23 апреля 1857 года родился Руджеро Леонкавалло – выдающийся итальянский композитор, пианист и вокальный педагог.

Он сочинил почти два десятка опер и оперетт, но наиболее известны две – «Паяцы» и «Богема». В начале своего творческого пути, казалось, он немногому научился у своих выдающихся мастеров: играл в кафе, странствовал по Франции, Англии, Египту, но нигде ему не удавалось найти возможности для  более творческой работы. Однако, даже играя в кафе, он урывками находил время и для дальнейшего совершенствования знаний по композиции.

Безуспешно предлагал он театрам первую свою оперу, написанную на основе драмы де Виньи. Никто не заинтересовался произведением, созданным неизвестным музыкантом. Но это не сломило ни прилежания Леонкавалло, ни его честолюбия. Он брался за новые и новые оперы, которые тоже не попадали на сцену.

Успех «Сельской чести» Масканьи повлек за собою решительную перемену и в жизни Леонкавалло. Молодой композитор увидел, что интерес публики во всей большей степени обращается к реальной жизни: публика и на оперной сцене хочет видеть окружающую ее кипучую жизнь. Леонкавалло оставил свои эксперименты, прекратил работу над задуманной оперной трилогией и приступил к сочинению двухактной драматической оперы. Так на свет появилась опера «Паяцы», которая завоевала мировую известность.

Источник: Имре  Балашша и Дердь Шандор Гал. Путеводитель по операм. Кн.2 «Итальянская опера». – М.: Советский спорт, 1993.

Опера «Паяцы» (1985) на исторической сцене Государственного академического Большого театра России  

26 апреля 1564 года – день рождения Уильяма Шекспира.

Уильям Шекспир пришел в театр актером, но, судя по датам, семилетний срок ученичества не отслужил полностью. Даже если учесть, что он покинул Стрэтфорд в 18 лет, то должен был стать полноправным актером лишь к концу 1580-х, но к этому времени он уже достаточно овладел ремеслом драматурга. Более вероятные даты для начала его театрального пути – между 1585 и 1587 годами. Они оставляют на овладение актерским ремеслом едва ли двухлетний срок и, быть может, объясняют, почему актерская профессия для Шекспира не стала главной. 

Шекспир был человеком театра и знал о нем все, но в своей труппе он – основной поставщик пьес и один из тех, кто организует сложное театральное дело. На сцену он выходил, как порой сегодня выходит режиссер, – в небольшой роли (камео), оставляя на ней свой именной отпечаток.

Шекспир не сразу стал автором, тем более что авторство в драматургии было только на пороге своего рождения. Вначале он, скорее всего, перелицовывал старые тексты, сбивал с них пыль и ржавчину, подгонял под состав своей труппы. Впрочем, так ли уж много пьес, заслуживающих переделки, было тогда в ходу? Скорее, Шекспир участвовал в создании репертуара елизаветинского театра, возможно, в труппе королевы, перерабатывая для сцены эпизоды хроник Холиншеда и истории Гальфрида Монмутского.

Источник: Шайтанов И. Шекспир. – М.: Молодая гвардия, 2013.

Подборка записей спектаклей по пьесам Шекспира 

29 апреля 1899 года родился Дюк Эллингтон.

Джазовую историю творили многие великие музыканты. И среди них Дюк Эллингтон должен быть назван одним из первых. Его художественные достижения и открытия преодолели границы времени, которому принадлежали. Каждое новое поколение людей всякий раз заново открывает для себя мир музыки Эллингтона, его красоту и магию.

Быть может, главная заслуга этого мастера как раз и состоит в том, что он, работая в сфере так называемой «легкой», «бытовой», «популярной», «развлекательной» музыки, поднял ее до высот большого искусства. Музыка Эллингтона вошла в сознание миллионов людей, стала неотъемлемой частью современной культуры. Один из родоначальников советского джаза Александр Цфасман в конце 60-х годов сказал: «Для нас, джазменов, Эллингтон – наше “все”. Я не преувеличиваю. Это наша любовь, безграничное восхищение, мечта. Наша школа. Наша звучащая джазовая энциклопедия, из которой мы черпали идеи, образы, технические приемы. Никогда не видя Эллингтона, мы все учились у него в классе, где не было ни стен, ни дверей, – ибо это был джаз».

Источник: Джеймс Л. Коллиер. Дюк Эллингтон. – М.: Радуга, 1991.

Подборка лучших композиций