Март
Слайдер
Описание

1 марта 1810 года в местечке Желязова Воля неподалеку от Варшавы родился великий польский композитор и пианист Фридерик Шопен. В истории мировой культуры Фридерик Францишек Шопен занимает особое место. Значение Шопена далеко не ограничивается тем, что он вместе с Мицкевичем, Словацким, Красиньским и Норвидом явился основоположником польского романтизма. Если Делакруа изобразил Шопена в облике Данте, то потому, что именно создатель «Ладьи Херона» более, чем кто-либо другой, понял истинную сущность шопеновского творчества, заключающегося в поразительной силе художественных образов и вместе с тем – в интеллектуальной мощи.

Музыка Фридерика Шопена еще при жизни ее создателя получила признание и распространение в России. Она сразу обратила на себя внимание интонационной близостью к русской народной песне, богатством духовного содержания и поэтичностью звуковых образов.

Сочинения великого польского композитора и пианиста стали неотъемлемой частью репертуара профессиональных исполнителей и широкого круга любителей фортепианной музыки. Завоевав чрезвычайную популярность, они естественно и органично привели к возникновению в России всеобщего интереса к истокам, особенностям и уникальным качествам художественной палитры Шопена, ко всему тому, что связано с его жизнью и творчеством.

Источник: Бэлза И. Шопен. – М.: Наука, 1968.

Венок Шопену. Сборник статей // ответственный редактор Л.С. Сидельников. – М.: Музыка, 1989.

Лекция Михаила Казиника «Эффект Шопена»

Первый концерт хора им. Пятницкого состоялся 2 марта 1911 года на малой сцене Благородного собрания Москвы. Этот концерт высоко оценили Сергей Рахманинов, Федор Шаляпин, Иван Бунин.

В интервью, данном в январе 1911 года корреспонденту «Московского листка», Пятницкий рассказывал: «…Я вырос в деревне и к народной песне начал чутко прислушиваться с детства. Народная песня – это художественная летопись народной жизни, к глубокому сожалению, вымирает с каждым днем... А чтобы понять, какая красота уходит из жизни… надо побывать в наших деревенских «медвежьих углах» и послушать ее, эту песню. Народная песня исчезает, и ее надо спасать». Этим глубоким гражданственным мотивом и руководствовался Митрофан Ефимович Пятницкий, создавая свой хор.

Знаменательно то, что Пятницкий для первого показа объединенного русского хора выбрал Москву – центр, сердце России, олицетворение всего русского. Таким же общерусским, вобравшим в себя другие народные певческие диалекты, стал созданный Пятницким русский народный хоровой стиль, присущий его Московскому хору крестьян. В этом начинании он был первым. «…Ты займешь, – писал ему артист Малого театра В.Ф. Лебедев, – место наряду с людьми, которые сделали важный и яркий вклад в историю русской песни, – ты заложил фундамент и построил первое здание».

Источник: Соболева Г.Г. Современный русский народный хор. – М.: Знание, 1978.

Д/ф «Вся жизнь – в танце. Балетмейстер хора им. М. Пятницкого Т. Устинова» (1988)

25 марта 1867 года в итальянском городе Парме родился один из самых выдающихся дирижеров ХХ века Артуро Тосканини. 

Никто в Рио и Сан-Паулу не знал Тосканини: черновую работу делал он, а за дирижерским пультом оркестра стояли постоянные дирижеры театра, чаще других – бразилец Мигуэц, которого никто не любил.

Однажды Мигуэц задумал поставить «Аиду» Верди. Эта опера еще не шла в Бразилии, и любители музыки с нетерпением ждали премьеры. Но певцы не понимали дирижера, музыканты взбунтовались, Мигуэц отказался дирижировать.

Тогда к директору явились оркестранты:

– У нас есть замена. Тосканини, наш виолончелист, тот, который всегда ходит с газетой в кармане. О, он все знает, всю партитуру.

Выхода не было. Тосканини появился за дирижерским пультом, когда ему было 19 лет. Первое, что он сделал, – с силой захлопнул партитуру, с такой силой, что она упала на пол. Перед спектаклем контрабасист обратился к Тосканини в смущении: он забыл важные указания Мигуэца. Тосканини улыбнулся:

– Не волнуйтесь. Я помню.

Когда Тосканини, совсем мальчик с виду, появился на дирижерском месте, в зале зашикали. Тосканини, не поклонившись, взмахнул палочкой. Шум в зале продолжался только мгновение. Никогда Рио не слышал такого исполнения. Оркестр, певцы – все преобразились, почувствовав властную руку настоящего руководителя с безошибочным ощущением музыки. После первого акта зал бурно аплодировал.

Источник: Хентова С.  Подвиг Тосканини. – М.: Музыка, 1972.

Документальный фильм о композиторе

27 марта 1927  года родился народный артист СССР Мстислав Ростропович. 

«Гагарин виолончели», «маэстро Слава» называли его критики и почитатели таланта. Знакомство с ним считали для себя честью самые прославленные люди разных стран. Энергетика и артистический гипноз личности Мстислава Ростроповича с тех пор, как он завоевал мир смычком виолончелиста, а затем «волшебной» палочкой дирижера, усиленные его опытом и грандиозной по масштабам деятельностью, – приобрели черты едва ли не ирреальные, «устрашающие». Своим искусством, причастным к самым глубинным тайнам творчества, Ростропович дал почувствовать современникам нечто трансцендентно-высокое, присутствующее в нашей жизни, нечто могущественное и святое, обычно не замечаемое или игнорируемое людьми в их вечной суете.

Иные винят его и стыдят за превращение им фактов своей биографии в некое политическое шоу. Но что тут поделаешь? С юных лет его влекло все экстраординарное, экстравагантное, приковывающее всеобщее внимание и затрагивающее интересы самых широких и «высоких» кругов, – некое существование на пределе вероятного и невероятного, публичное существование во всем и везде.

Источник: Грум-Гржимайло Т. Ростропович и его современники в легендах, былях, диалогах. – М.: Агар, 1997.

Биография композитора на портале Культура.РФ 

28 марта 1483 года в Великую пятницу в итальянском городе Урбино в семье художника родился Рафаэль.

Вот уже на протяжении нескольких столетий это имя воспринимается как некий абсолют, как некий идеал гармонии и совершенства. Сменяются поколения, меняются художественные направления и стили, но преклонение перед великим мастером Возрождения остается незыблемым.

С каждым он говорит о чем-то насущном, бережно-сокровенном – о возрождающей человеческую душу необходимости любви и понимания, о всепобеждающей силе нежности, о великодушии и чистоте, о хрупкости красоты и гармонии.

Наследие Рафаэля – это достояние всего человечества. Каждая эпоха раскрывает в его творчестве те грани, которые не были восприняты предшественниками, сопоставляет свои достижения в эстетическом познании мира с его прозрениями, мысленно сравнивает, какое культурное наследие оставило человечеству Возрождение и что оставят после себя люди, живущие на рубеже второго и третьего тысячелетий.

Источник: Рафаэль//ред. В.В. Стародубцева. – М.: Изобразительное искусство, 1987.

Ссылка на экскурсию «В поисках Рафаэля». В преддверии открытия выставки «Линия Рафаэля» 

3 марта 1915 года в Нью-Йорке состоялась премьера самого великого немого фильма всех времен и народов «Рождение нации».

Постановщик фильма Давид Гриффит в поисках сюжета для своего нового фильма остановился на книге Томаса Диксона «Человек клана». Работая над сценарием вместе с Ф. Вудом, Гриффит попытался показать наиболее значительные эпизоды романа, поэтому объем сценария все разрастался. В окончательном виде фильм насчитывал 12 частей – объем неслыханный по тем временам в Голливуде.

В фильме «Рождение нации» снимались все крупнейшие актеры школы Гриффита: Мэй Марш, Лилиан Гиш, Роберт Харрон, Генри Уотхолл, Мериэм Купер и другие. В массовых сценах участвовало до 1000 человек. Гриффит прорабатывал с операторами каждый эпизод, входил в мельчайшие детали постановки; костюмы, мебель, эскизы декораций – все создавалось при его участии. Интерес к фильму был большой.

Однако вскоре появились статьи и рецензии, авторы которых обвиняли Гриффита в расизме и разжигании низменных инстинктов. Появились требования запретить демонстрацию фильма. В ответ на нападки, которым подвергся фильм, Гриффит написал и опубликовал памфлет «Подъем и упадок свободы слова в Америке». Цитируя церковников, философов, писателей и общественных деятелей, Гриффит защищал право творческого работника бесконтрольно высказывать свою точку зрения в произведении искусства, заявляя, что все попытки запретить фильм являются нетерпимостью к свободе мышления и своеобразной цензурой.

Источник: Комаров С. История зарубежного кино: Том 1: Немое кино. – М.: Искусство, 1965.

Ссылка на фильм.

4 марта 1678 года на свет появился Антонио Вивальди.

Музыкальная среда Венеции, в которой формировался юный музыкант, сыграла определенную роль в его дальнейшей судьбе. Изучив азы музыкальной науки вместе с отцом, Антонио в короткие сроки овладел искусством скрипичной игры. Уже в возрасте 10 лет он смог замещать отца в оркестре собора св. Марка.

Первичное сочинение Вивальди относится к 1691 году – молодому композитору должно было исполниться всего 13 лет! Уже в этих первых музыкальных опытах проявляется необычно виртуозный стиль письма, присущий Вивальди.

Неизвестно, какие причины побудили Антонио к решению стать священником, но он избрал этот путь, достигнув к 25 годам сана священника. Вскоре его пригласили преподавателем в одну из так называемых венских «консерваторий» – «Ospedale della Pieta». Оказавшись в творческой, кипящей музыкальной атмосфере «консерватории», Вивальди почувствовал грандиозные просторы, открывающиеся для его музыкального таланта. Благодаря своему бурному темпераменту и целеустремленному характеру, Вивальди смог развить необычайно широкую деятельность – он непрерывно сочинял, написав для концертов учащихся огромное количество музыки разных жанров, работал с хористами, проводил оркестровые репетиции и дирижировал концертами, а также преподавал теорию музыки.

Источник Великие композиторы. Антонио Вивальди. – М.: Комсомольская правда, 2008.

Ссылка на концерт «Вивальди. Времена года»

5 марта 1962 года в московском кинотеатре «Россия» прошла премьера одного из лучших фильмов в истории советского кинематографа: «9 дней одного года».

Далеко не простой, «интеллектуальный» фильм «9 дней одного года» Михаила Ромма по итогам опроса читателей журнала «Советский экран» был признан лучшим фильмом 1962 года. Это серьезное и умное произведение, героями которого являются физики-атомщики, удостоилось высокой оценки и за рубежом. Например, в Польше фильм был признан лучшим иностранным фильмом, а в 1962 году картина получила почетный приз на фестивале в Сан-Франциско. «9 дней одного года» представляли страну на 13-ом кинофестивале в Карловых Варах.

Идея поставить фильм о физиках принадлежала молодому кинодраматургу Даниилу Храбровицкому, он вспоминал: «Для меня это был самый счастливый в жизни день, когда нам вручили высшую награду Карловарского фестиваля – Хрустальный глобус». Сценарий представлял собой ряд эпизодов, девять новелл из жизни трех героев: Дмитрия Гусева, Ильи Куликова и Лели – людей, связанных работой, дружбой, любовью. «Работая над фильмом, мы с Д. Храбровицким заметили: то, что приносила нам утренняя газета или новая книга, часто было интереснее того, о чем рассказывал сценарий, – вспоминал Михаил Ромм. – Мы не раз резко переделывали, переписывали его. Мы сделали для себя правилом: подчинять движение сюжета движению мысли». Смена названий фильма красноречиво говорит об этом: «Я иду в неизвестное», «365 дней», «9 дней одного года». Работа не прекращалась до самого конца. Отказались от уже написанной музыки, хотя фамилия композитора сохранилась в титрах. Ромм встречался с физиками-теоретиками. Его собеседниками были академики Тамм, Ландау и другие известные и неизвестные (по причине секретности) ученые мирового уровня.

Источник: Мусский И.А. Сто великих отечественных фильмов. – М.: Вече, 2006.

Ссылка на фильм

6 марта 1475 года близ Ареццо Флорентийской республики родился Микеланджело Буонарроти, полное имя Микеланджело ди Лодовико ди Леонардо ди Буонарроти Симони.

О том, что Микеланджело считал скульптуру, а не живопись, привилегированным средством для самовыражения и творчества, свидетельствует история, рассказанная Вазари. Биограф вспоминает, что отец художника отдал малыша Микеланджело няньке из Сеттиньяно, чей муж был каменотесом. Художник рассматривал это как перст судьбы и однажды признался, что все лучшее в его таланте получено им благодаря рождению в Ареццо – земле художников, а также благодаря впитыванию «с молоком кормилицы резца и молота, которыми я делаю свои фигуры».

В основном, первыми произведениями, выполненными художником, являются скульптуры, поскольку рисунок служил для обучения, а через скульптуру он мог воплотить свои идеи в форме.

За годы долгой жизни Микеланджело в мировом искусстве сменились три художественных стиля. Он начал свой путь в конце XV века, а завершение его беспримерных по значимости художественных творений и подвижнической жизни, всецело отданной искусству, пришлось на годы глубокого кризиса, переживаемого искусством Возрождения, когда стала очевидной противоречивость взглядов идеологов гуманизма, а порожденная ими культура начала все дальше отходить от правды жизни, теряя былую свободу и независимость от воли и вкусов заказчика.

Источник: Микеланджело//текст Джованны Николетти. – М.: Белый город, 2000.

Махов А. Микеланджело/серия ЖЗЛ. – М.: Молодая гвардия, 2014.

Лекция «Неизвестный Микеланджело»

7 марта 1878 года в Астрахани родился Борис Кустодиев – русский живописец, скульптор и театральный декоратор.

И.Е. Репин назвал Кустодиева «богатырем русской живописи». «Большой русский художник – и с русской душой», – сказал о нем другой известный живописец – М.В. Нестеров.

Интерес к рисованию пробудился у мальчика очень рано. Посетив в 1887 году выставку передвижников и впервые увидев картины настоящих живописцев, он твердо решил стать художником. Пятнадцати лет он начинает занятия у художника П.А. Власова. Его педагогическое воздействие, моральное влияние были так велики, что Кустодиев до конца жизни считал его своим первым и лучшим учителем. По совету Власова Борис оставляет семинарию и в 1896 году едет в Петербург, где поступает в Академию художеств. Через два года исполнилось желание Кустодиева – заниматься у И.Е. Репина. В его мастерской он много пишет с натуры, стремится овладеть мастерством передачи красочного многообразия мира. «На Кустодиева, – писал Репин, – я возлагаю большие надежды. Он художник даровитый, любящий искусство, вдумчивый, серьезный; внимательно изучающий природу…»

Источник: Самин Д.К. Сто великих художников. – М.: Вече, 2010.

О художнике на портале «Культура.РФ» 

8 марта  1906 года  в подмосковном Сергиевом Посаде родился кинорежиссер, постановщик сказок Александр Роу.

Александр Артурович завоевал свое особое место в советском кинематографе. Вся его жизнь была полностью посвящена киносказке. Он создал такие фильмы, как «По щучьему велению», «Марья- искусница», «Кащей Бессмертный», «Варвара-краса, длинная коса», «Золотые рога», «Огонь, вода и медные трубы», «Конек-Горбунок» и «Василиса Прекрасная».

Все его картины-сказки проникнуты поэзией, оптимизмом, юмором, фантастической романтикой. Александр Артурович в своих фильмах изобретательно применял технические достижения картин, придавая большое значение сочетанию зрительных образов с музыкальными. Многолетние поиски режиссера нашли свое наилучшее выражение в сказке «Морозко». Тринадцатый фильм Роу приняли единодушно и у нас и за рубежом. О нем писали как о произведении гармоничном, ярком, высокохудожественном. В фильме был вполне самостоятельный сюжет, связанный с фольклором, и прежде всего с мотивами многочисленных вариантов «Морозко» и сказки «Об Иване с медвежьей головой». В 1965 году «Морозко» получил на фестивале в Венеции главный приз – «Золотой лев» в разделе детских и юношеских фильмов. Роу очень гордился почетным призом, как и другими наградами, завоеванными фильмом. Впрочем, настоящая слава ждала «Морозко» не в Италии, а в Чехии. Советский фильм там обязательно показывают в новогодние праздники.

Источник: Мусский И.А. Сто великих отечественных фильмов. – М.: Вече, 2006.

Кинословарь в двух томах. Том 2. – М.: Советская энциклопедия, 1970.

Статья «Сказки Александра Роу» на портале Культура.РФ

8 марта 1941 года в семье известных эстрадных артистов Марии Мироновой и Александра Менакера появился на свет сын Андрей.

Актер, родившийся и умерший на сцене, – Андрей Миронов. Андрей Александрович говорил: «…Я никогда не колебался в выборе профессии. После окончания школы подал документы в Государственное театральное училище имени Щукина. Как и все родители, папа и мама желали мне добра. Видя мое стремление стать актером, они никогда не отговаривали меня. Но и не сулили “легкой жизни”».

Еще при жизни Миронов был необычайно любим и знаменит, после смерти стал личностью почти легендарной. Театр, кино, эстрада, телевидение, радио, запись пластинок… Как он все успевал, уму непостижимо. Его ненасытность в работе, казалось, переходила все разумные пределы, за это его часто бранили и родители и друзья, он покорно соглашался, обещал образумиться… и тут же мчался на очередную репетицию. «Некогда, некогда, некогда мне!» – пел он в одной из своих песенок. Словно интуитивно ощущал краткость жизни и пытался раздвинуть ее пределы за счет плотности наполнения.

В кино снимался у виднейших наших режиссеров – Э. Рязанова, М. Захарова, Л. Гайдая, А. Митты, А. Суриковой, Ю. Райзмана. Однако игрового кино ему было недостаточно, он обожал мультипликацию и по-детски радовался, когда ему выпала возможность озвучить нарисованного кота.

Еще больше, чем кино, любил театр. Родившись в театре, Андрей Миронов до последней своей минуты не оставлял его. Оказалось, ему мало было быть ведущим артистом, мало сыграть роли Чацкого, Жадова, Дон Жуана, Хлестакова, Фигаро и еще десяток других, о которых драматический артист может только мечтать. Любя театр, он как бы пытался заполнить собой его весь, временами ему необходимо было почувствовать себя театральным художником, осветителем, костюмером, администратором.

Источник: Андрей Миронов // составитель Б.М. Поюровский. – М.: Искусство, 1991.

Cпектакли с участием Андрея Миронова на портале Культура.РФ

11 марта 1818 года родился Мариус Петипа – танцовщик, балетмейстер, педагог, с 1862 по 1904 год служивший главным балетмейстером Мариинского театра.

Балеты Петипа считаются украшением любого театра во всем цивилизованном мире. Творчество гениального хореографа признано бесценным достоянием мировой культуры. При этом личность Петипа таит в себе немало загадочного, да и его творческое наследие и жизненный путь еще ждут всестороннего осмысления.

Если в течение долгих лет единственным пунктом, который давал артистический диплом на мировую известность, был Париж, то во второй половине XIX века первоклассным хореографическим артистам для достижения апогея славы был также необходим Петербург, как единственный город, имевший образцовый балет, благодаря Мариусу Петипа.

Первой работой Петипа в России была постановка в сентябре 1847 года балета Мазилье «Пахита», в котором Петипа должен был дебютировать с исполнительницей заглавной роли Е.И. Андреяновой. Постановка эта не была самостоятельной, а была лишь почти в точности воспроизведена по схеме Ж. Мазилье, причем Петипа работал в сотрудничестве с Фридериком. Дебют состоялся 26 сентября. Петипа исполнил роль Люсьена Д’Эрвильи, имел большой успех, благодаря изящным танцам и осмысленной мимической игре.

Художественное значение деятельности Петипа в истории русского театра совершенно исключительное. Гигантская работа, совершенная Петипа в России, составила яркую эпоху не только в области балета, но и отразилась на всех видах сценического искусства, ибо композиции Петипа, помимо значительного числа опер, появились и в драме, и в оперетте. Наряду с деятельностью главного балетмейстера и автора громадного количества хореографических произведений Петипа более 30 лет был преподавателем танцев и мимики в театральном училище, создав ряд артистических поколений, содействовавших яркому расцвету и мировой славе русского балета.

Источник: Мариус Петипа. Мемуары балетмейстера, статьи и публикации о нем /составитель А. Игнатенко. – Санкт-Петербург: Союз художников, 2003.

О Мариусе Петипа на портале Культура.РФ 

12 марта 1738 года –  день рождения Василия Баженова, выдающегося архитектора, одного из основоположников русского классицизма.

Начинал Василий Иванович «вольным живописцем» в «архитектурной команде» Д.В. Ухтомского, учился в гимназии при Московском университете; свое художественное образование продолжил в Петербурге у С.И. Чевакинского и у А.Ф. Кокоринова в Академии художеств, откуда был отправлен в Парижскую академию, где его учителем стал Шарль ле Вайи. Затем жил в Италии, а в 1765 году вернулся в Россию, где работал попеременно в обеих российских столицах, но преимущественно в Москве. Там Баженов, ставший архитектором, выполнявшим самые крупные заказы императрицы, фактически оказался в особого рода зависимости: не только от вкусов и художественных веяний времени, но прежде всего – от переменчивых настроений императорского двора.

В 1767 году начал работать над проектом реконструкции Московского Кремля. Воображение современников поражали даже макет будущего грандиозного сооружения в стиле классицизма и праздник, устроенный 2 июня 1773 года по случаю «приложения первого камня русского Акрополя». Однако строительство дворца, едва начавшись, было остановлено.

Зато история создания следующего произведения – Царицынского дворцового ансамбля (1775–1785) – имела характерный для судьбы архитектора трагический финал. «Готический вкус» архитектуры подмосковного Царицына был сначала восторженно принят Екатериной II. Однако летом 1885 года императрица отдала приказ о разборке главного здания почти законченного ансамбля и отстранила Баженова от строительства. После отстранения от работ по Царицыну подвергшийся опале мастер официально числился в отпуске (до 1790 года), но не вызывает сомнения тот факт, что, удалившись в свое тульское имение Глазово, архитектор выполнил немало частных заказов.

Под конец жизни знаменитый архитектор, вице-президент Академии художеств (с 1799 года), был возведен на вершину славы и пользовался особым расположением и покровительством императора Павла I. В эти годы Василий Иванович увлекся идеей создания многотомного издания Российской архитектуры.

Источник: Русское искусство. – М.: Трилистник, 2001.

О главных постройках Василия Баженова

12 марта 1889 года  в Киеве родился великий русский танцовщик и хореограф Вацлав Нижинский, первая и до сих пор непревзойденная звезда русского и мирового балета.

Хотя на самом деле Нижинский родился 28 февраля (12 марта) 1890 года – его мать, желая уберечь Вацлава от будущей службы в русской армии, крестила его в польской столице, чтобы взять оттуда свидетельство, и даже поставила в нем ложную дату рождения – 1889 год, поскольку мальчики, рожденные в этом году, пользовались льготами при призыве на военную службу.

В мае 1908 года Вацлав с отличием окончил Балетную школу и был зачислен в труппу Мариинского театра. Он дебютировал в балетных сценах оперы Моцарта «Дон Жуан» – событие незабываемое для Нижинского, но вскоре стал получать более значительные роли и далее регулярно выступать партнером прима-балерин assoluta – Кшесинской, Преображенской, Павловой, Карсавиной.

Избалованная петербургская публика сидела затаив дыхание, когда на сцене появлялся этот худощавый, стройный юноша. Он парил, едва касаясь земли, замирал в воздухе и исполнял самые технически трудные пируэты без видимых усилий. Балетоманы, безошибочно распознавшие исключительный талант Нижинского, видели в его танце удивительное сочетание пластического стиля Новерра, непостижимых прыжков Вестриса, невесомости Тальони и огня Камарго. Даже Петипа, повидавший на своем веку великих танцовщиков прошлого, не уставал поражаться, что в одном артисте сконцентрировано так много достоинств. Нижинского стали называть «северным Вестрисом».

Источник: Нижинская Р. Вацлав Нижинский. – М.: Русская книга, 1996.

10 фактов о Вацлаве Нижинском

14 марта 1966 года на широкий экран вышла первая часть четырехсерийной киноэпопеи Сергея Бондарчука «Война и мир». Фильм назывался «Андрей Болконский».

Сценарий киноэпопеи «Война и мир» у Бондарчука и его соавтора Василия Соловьева сложился быстро. Конечно, не обошлось без потерь. Так, пришлось отказаться от сюжетной линии Николая Ростова. Значительно были сокращены эпизоды с княжной Марьей. Лишь обозначена, проведена пунктиром линия поведения Анатоля Курагина. Осталось за кадром хождение в масоны Пьера Безухова. Не вошли в фильм и историко-философские рассуждения Льва Толстого. 

Василий Соловьев вспоминал: «Экономически работать над картиной было очень невыгодно. Это была экранизация классики. За сценарий на современную тему сценаристы получали тогда шесть тысяч, за экранизацию классики – четыре. Причем четыре тысячи платили только за первую серию, за все последующие – лишь тридцать процентов от первой серии. И тогда мы хитроумно придумали, что каждую серию сделаем как отдельный фильм и назовем их по-разному. Тогда и возникли эти названия: “Андрей Болконский”, “Наташа Ростова”, “1812”, “Пьер Безухов”. Потом завистники нам говорили: “Ну, вы, наверное, уж и зарабо-о-о-тали!”. А мы как-то с Сергеем Федоровичем подсчитали, и получилось, что за все время работы над “Войной и миром” мы “зарабо-о-о-тали” по сто сорок семь рублей с копейками в месяц. А работали мы как проклятые. Писали, по-моему, во всех домах творчества Советского союза. И в наших, кинематографических, и у композиторов, и у писателей. Тогда-то я и понял, что такое ответственная, творческая работа, работа, которую нельзя бросить, когда тебя несет подспудное желание, которое не остановишь. Сергей Федорович всегда дорожил этим неустанным течением работы».

Источник:

Сергей Бондарчук в воспоминаниях современников // составитель О. Платникова. – М.: ЭКСМО, 2003.

Мусский И.А. Сто великих отечественных фильмов» – М.: Вече, 2006.

Ссылка на фильм «Война и мир» 

15 марта 1800 года в Санкт-Петербурге закончилось строительство Михайловского замка, построенного, как замок на воде, по заказу императора Павла I.

В ноябре 1796 года вышел указ императора: «…Для постоянного государева проживания строить с поспешанием новый неприступный дворец-замок. Стоять ему на месте обветшавшего Летнего дома, возведенного некогда Растрелли». Выбор места не случаен: в том Летнем дворце Павел родился.

Толстые стены нового замка-крепости, земляной вал, глубокий ров и подъемные мосты защитят императора от любых покушений и продлят годы его жизни. Слабость и неуверенность всегда жаждут чуда. Для укрепления веры в неприступность и безопасность будущего замка был пущен слух трогательный и правдоподобный. Будто солдат, стоявший ночью на часах в Летнем дворце, вдруг увидел некоего юношу, окруженного сиянием. И сказал сей юноша: «Иди к императору и передай мою волю – дабы на сем месте был воздвигнут храм и дом во имя архистратига Михаила». Сказал и исчез. Солдат, сменившись с поста, доложил по начальству. Потом его призвал император. Так во мнении народа освятилось и место, и название – Михайловский.

Наблюдение за строительством замка император поручил своему первому наставнику в искусстве, действительному статскому советнику Василию Ивановичу Баженову. Потом, многие-многие десятилетия спустя, найдутся ретивцы, которые, не утомив себя поисками в архивах, объявят Баженова автором дворца. И пойдет гулять по свету это ложное, но такое выгодное для многих утверждение. На самом деле 4 марта 1797 года было объявлено  повеление: «Строение Михайловского нашего дворца поручить беспосредственно нашему архитектору коллежскому советнику Бренне – верному слуге, любимому художнику, доброму советчику».

Источник: Овсянников Ю. Великие зодчие Петербурга: Д. Трезини, Ф. Растрелли, К. Росси. – Санкт-Петербург: Искусство-СПБ, 2001.

Ансамбль Михайловского замка

16 марта 1935 года родился актер и режиссер Сергей Юрский. 

В своей книге «Кто держит паузу» Сергей Юрьевич вспоминает: «Мое желание стать актером определилось примерно к четырнадцати годам. Отец, как и во всех других вопросах, предоставлял мне свободу выбора, но не скрывал своего мнения: он не верил в мою актерскую судьбу. Он видел мои первые опыты во Дворце пионеров и в драмкружке Педагогического училища, куда я прибился в поисках лучших ролей. Наиграл я много: и Добчинского в “Ревизоре”, и Сашеньку в “Беде от нежного сердца” – беде всех самодеятельных кружков, и Бальзаминова в “Праздничном сне до обеда”, и тогдашний антирасистский самодеятельный шлягер “Белый ангел”, где я изображал негра, вымазывая всего себя и все, что на себе, и все вокруг себя, в том числе и партнершу, густой черной краской, и крепкого сорокалетнего стахановца-машиниста в чудовищной пьесе “Трое с Украины”.

Я имел некоторый успех в узких кругах школьниц седьмых – восьмых классов некоторых школ северной части Фрунзенского района, я даже удостоился кое-каких премий на смотрах – Юрский-старший был непреклонен. Он вежливо и доброжелательно поздравлял меня в день премьеры, а через несколько дней, когда премьерное возбуждение отходило, показывал мне, как я играю и как это выглядит со стороны. Показывал так, что я обижался лишь первые несколько минут, а потом, глядя на продолжающийся показ, начинал хохотать. Это была моя первая серьезная школа: я видел свои ошибки со стороны, я учился с юмором относиться к самому себе. В откровенности отца я чувствовал уважение к себе как к личности, а в его показах, таких смешных и разнообразных, мне открывались новые возможности дивной актерской профессии».

Источник: Юрский С. Кто держит паузу. – М.: Искусство, 1989.

Статья «Юрский период» на портале Культура.РФ  

17 марта 1856 года в Омске в семье военного юриста родился Михаил Врубель. 

Не всякий художественный мир и не всякая творческая биография одинаково предрасполагают к мифотворчеству. В этом отношении Врубель среди русских художников прочно держит первое место.

Врубель закончил жизнь в психиатрической клинике. Его сумасшествие уже в глазах его современников бросало отсвет на его искусство. Например, Стасов воспринял весть о психической болезни Врубеля, как то, что вроде бы объясняло врубелевские «странности», в частности, его привязанность к демонической теме.

Врубель пробыл в психиатрической лечебнице очень долго – с 1902 по 1910 год – год смерти. Он не узнал, что его произвели в академики; не знал о триумфальном успехе «Мира искусства», в первых выставках которого он участвовал; не был свидетелем событий первой русской революции. Врубель, продолжая существовать, рано был выключен из культурной среды своего времени и уже при жизни отошел в область легенды. Художники «Голубой розы», экспонировавшие на своих выставках произведения Врубеля, предъявляли его в качестве своего учителя, того, от кого они исходят в своем творчестве; для литераторов-символистов (Александр Блок, Андрей Белый) Врубель – художественный прецедент, аргумент в их творческой и художественной деятельности, вполне состоявшееся и занявшее место в истории искусства явление, – хотя он еще был жив. Такое, конечно, бывает не со всяким художником.

Источник: Врубель//текст М. Алленова. – М.: Белый город, 2000.

Документальный фильм «Михаил Врубель. Миф и реальность» (2013) из цикла «Тайники Русского музея»

17 марта 1938 года родился Рудольф Нуреев, советский, британский и французский артист балета, балетмейстер и символ современного балета. 

В Ленинграде его звали Рудиком. И это, возможно, одна из причин, почему он бежал из Ленинграда. Он знал, что в Кировском театре он очень надолго останется Рудиком, то есть вечным мальчиком, вечным учеником, привычной глиной в руках старейших ваятелей – хореографов или педагогов, этих властных, влиятельных и допотопных корифеев.

А он уже чувствовал себя Рудольфом. Честолюбец, гордец, он рано примерил к себе это великокняжеское имя. Попав же в Европу, стал жить, как князь, одеваться, как князь, приобрел во владение собственное княжество – маленький остров в Средиземноморье, превратил в собственное княжество и театр «Гранд-Опера», ставший при нем неприступным феодом, крепостью, бастионом, заносчивой институцией на средневековый лад, где тем не менее осуществлялся прорыв в сторону современных веяний в классическом балете. Но царил здесь именно он, князь танца, Рудольф Великолепный. Роскошная техника виртуоза былых времен сочеталась в нем с техникой будущего, техникой почти что математичной.

С лицом кондотьера, с решимостью конквистадора он выходил на сцену, чтобы завоевать пространство и укротить зрительный зал, чтобы подчинить своей воле разбегающуюся по сторонам энергию спектакля. И имел успех, успех оглушительный.

Источник: Рудольф Нуреев. Автобиография. – М.: Аграф, 1998.

Документальный фильм «Рудольф Нуреев. Неукротимый гений»

20 марта 1974 года в широкий прокат вышел фильм Василия Шукшина «Калина красная».

Киноповесть «Калина Красная» Василий Шукшин написал в больнице. Его жена Лидия Николаевна Федосеева рассказывала: «Шукшин опять слег в больницу. Но и там он продолжал работать. <…> Однажды вышел, в глазах – прямо слезы стоят. И осунулся весь, побледнел, смотреть страшно. Я испугалась – подумала сразу, что болезнь обострилась. А оказывается, он только что, перед самым моим приходом, закончил новую повесть. И когда писал конец, сам вот так страшно, до слез разволновался. Отдал мне рукопись. Сказал: “Это для кино. Если разрешат снимать, то тут и для тебя кое-что найдется…” Пришла домой. Кажется, даже не разделась, и сразу села читать. Прочитала. И тоже не удержалась – заревела…».

В апреле 1973 года «Калину Красную» опубликовал журнал «Наш современник», членом редколлегии которого был генеральный директор «Мосфильма» Николай Трофимович Сизов. Он предложил Шукшину снять картину на «Мосфильме», поскольку на киностудии Горького, где Шукшин числился в штате, сценарием не заинтересовались. Премьера фильма состоялась в московском Доме кино, и каждый новый его просмотр убеждал в том, что картину ожидает настоящий успех. По официальным данным, за один год фильм посмотрели 62,5 миллиона зрителей, что обеспечило ему первое место в прокате.

Источник: Мусский И.А. Сто великих отечественных фильмов. – М.: Вече, 2006.

Лекция о фильме 

20 марта 1915 года  в Житомире родился народный артист СССР Святослав Рихтер. 

Где бы не выступал выдающийся советский пианист – будь то в Москве или Ленинграде, Праге или Нью-Йорке, Будапеште или Лондоне, Софии или Париже, – везде его встречали восторженные овации слушателей и единодушные похвалы критиков.

Первые шаги на пути творческого становления Рихтер сделал в Житомире под руководством отца, где тот работал органистом. В ту пору рояль служил для него всего лишь средством для ознакомления с оперными и симфоническими созданиями Бетховена и Глинки, Брамса и Чайковского, Вагнера и Римского-Корсакова. По справедливому замечанию Г. Когана, он шел от музыки к фортепиано, а не от фортепиано к музыке, как бывает обычно.

Еще большему размаху его музыкальной эрудиции послужила практическая деятельность. Молодой концертмейстер Одесской филармонии, а затем оперного театра поражал своих коллег невероятной легкостью, с которой прочитывал сложнейшие партитуры. Мир искусства открывался перед ним разными гранями – он пробовал свои силы в композиции, «грешил» литературными опытами, мечтал о дирижерской карьере. Но судьба вела его к фортепиано.

В 1934 году Рихтер впервые вышел на эстраду как пианист, а в 1942 году дал самостоятельный концерт в Москве. Дальнейшее творческое развитие выдающегося пианиста пошло семимильными шагами.

Источник: Григорьев Л., Платек Я. Современные пианисты. – М.: Советский композитор, 1990.

Cтатьи на портале Культура.РФ:  

«Святослав Рихтер»

«Пианисты советской эпохи»

21 марта 1889 года в Киеве в семье частного поверенного родился певец, поэт и композитор Александр Вертинский, первый русский шансонье. 

Вертинский сам говорил, что у него нет голоса, но он обладал искусством выразительного жеста. Это позволяло ему без грима, мгновенно создавать образ – то светского хлыща, то капризной и глупой дамы-щеголихи, то мечтателя, то бродяги-поэта. В его песенках была легкая ирония, он забавно высмеивал пустых фатов и ветреных модниц, мечтал о голубых полярных льдах, о пальмах тропиков, о звезде среди миров мерцающих светил.

Многие песенки были сочинены им самим, в его стихах встречались интересные поэтические образы. Но он, конечно, не пел, а «сказывал» стихи. Недаром Шаляпин, очень скупой на похвалы, на подаренном Вертинскому снимке сделал теплую запись, назвал его «сказителем».

Главной особенностью исполнения Вертинского было то, что его песенка была своеобразной театральной пьеской, которая длилась две-три минуты, и блестяще разыгрывалась талантливым актером. У Вертинского было подкупающее зрителей чувство собственного достоинства на эстраде. Он не заискивал перед публикой, не ждал аплодисментов, не посылал в публику улыбок. Он знал, что в зале немало людей, считающих его жанр безыдейным и пустым, но вот кончался концерт, и они уходили, удивленные его исполнительским мастерством.

Источник: Вертинский А. Четверть века без Родины. Страницы минувшего. – Киев: Музычна Украйина, 1989.

Лекция, посвященная артисту 

21 марта 1839 года в селе Карево Псковской губернии родился композитор Модест Петрович Мусоргский.

В наши дни мы с удивлением взираем на то время – время жизни Мусоргского, – когда степень признания его была тем меньше, чем смелее и масштабнее были творческие свершения композитора.

Путь Мусоргского-композитора охватывает немногим более двух десятилетий – от конца 50-х до начала 80-х годов XIX столетия. Но интенсивность роста композитора, обилие сюжетов и образов его сочинений, неустанность поисков и нахождение все новых художественных решений, поражающих легкостью «отказа» от достигнутых высот во имя утверждения иных, открытие едва ли не каждым произведением все новых горизонтов музыкального искусства словно бы нарушают измерение пути композитора временем: кажется, что Мусоргский прошел большой, долгий творческий путь.

Мусоргский – глубоко русский художник. Его оперы воскрешают страницы русской истории, образы его вокальных пьес воспроизводят типы современной ему действительности, в звучаниях его инструментальной музыки возникают картины русской народной фантастики.

Источник: М.П. Мусоргский. – М.: Музыка, 1987.

Статья о композиторе 

22 марта 1599 года в Антверпене родился великий фламандский живописец Антонис ван Дейк.  

Имя ван Дейка прославлено во всем мире. И все же представление об его искусстве неизменно остается односторонним. Обычно при мысли о ван Дейке в памяти возникают одни лишь изысканные и надменные образы придворных портретов. Но значение творчества ван Дейка гораздо шире. Видеть в художнике только аристократического портретиста значит искажать его подлинное творческое лицо. Такое представление заслоняет от нас живое богатство созданного им мира художественных впечатлений.

Разумеется, свою роль в выборе ван Дейком творческого пути сыграл пример эмоциональных и осязательно-конкретных произведений Рубенса. Но демократичность и драматизм раннего ван Дейка говорят о воздействии другого его современника – великого итальянского реалиста Караваджо, в картинах которого образы церковной иконографии низведены были в самую гущу окружавшей художника народной жизни.

Источник: Варшавская М.Я. Ван Дейк. Картины в Эрмитаже. – Ленинград: изд-во Государственного Эрмитажа, 1963.

Статья о художнике 

23 марта (по другим источникам – 7 апреля) 1901 года  в Москве открылся Большой зал консерватории.

Двусветный Большой зал был украшен портретами-медальонами русских и западноевропейских композиторов. Грандиозный орган, подаренный меценатом С.П. фон Дервизом, был установлен под наблюдением французского композитора и органиста Ш. Видора. Торжественный концерт в день открытия начался специально написанным произведением – гимном «Воздвигнут храм искусству дорогому» на стихи Н.А. Маныкина-Невструева.

Оценивая достоинства нового концертного зала, присутствовавший на его торжественном открытии Ш. Видор в том же году напечатал свой лестный отзыв на страницах парижского «Менестреля»: «Из всех известных концертных залов этот кажется мне наиболее удачен в акустическом отношении. Мощь и очарование оркестра, великолепие органа, легкость и красота человеческого голоса, полнота звучания фортепиано или арфы передаются в нем с несравненною отчетливостью».

Источник: Московская консерватория 1866–1991//автор текста Г.А. Прибегина. – М.: Музыка, 1991.

Страница концертной площадки на портале Культура.РФ 

24 марта 1912 года в Москве, на Мясницкой улице, в новом выставочном зале Московского училища живописи, ваяния и зодчества открылась первая самостоятельная выставка художников-авангардистов группы «Ослиный хвост». 

Афиша выставки была связана с одной из мистификаций парижской художественной богемы (на «Салоне независимых» в 1910 году), когда группа противников нового искусства пыталась выдать за произведение новейшей живописи кусок холста, испачканный хвостом осла, к которому были специально привязаны кисти. Примитивистские тенденции выставки были последовательнее, чем на выставке «Бубновый валет»: преобладала «сниженная» тематика из солдатского (Ларионов), крестьянского (Гончарова), низового городского (Малевич) быта, и одновременно – увлечение лубком, провинциальной вывеской, архаической иконой.

В связи с усилившимися поисками национальной самобытности собственного творчества на эту выставку, в отличие от «Бубнового валета» 1910 года, западноевропейские мастера уже не были приглашены. Художественный уровень экспозиции был очень высок: здесь впервые были показаны «Отдыхающий солдат», «Этюд близ лагеря», «Утро в казармах», «Цирковая танцовщица перед выходом», «Автопортрет Ларионова», «Крестьяне, собирающие яблоки», «Курильщик», «Прачки» Гончаровой (некоторые ее религиозные композиции, например, «Евангелисты», были запрещены полицией как несовместимые с названием выставки). Со своими лучшими вещами выступили Малевич («Мозольный оператор в бане», «Полотеры»), Татлин («Продавец рыб», «Матрос»), Ле-Дантю, Шевченко.

Источник: Русское искусство. – М.: Трилистник, 2001.

Почему Михаил Ларионов и Казимир Малевич разошлись так далеко — в жизни, искусстве и посмертной славе. Статья на портале Arzamas.academy. 

28 марта 1868 года в Нижнем Новгороде родился русский писатель и публицист, основоположник социалистического реализма Максим Горький.

В феврале 1895 года Горький приезжает в Самару работать постоянным сотрудником «Самарской газеты» вместо ушедшего опытного журналиста С. Гусева (Слово-Глаголь).

В период работы в газете Горькому приходилось откликаться на события текущей жизни Самары. Быт и нравы провинциального губернского города нашли в публицистических, юмористических и сатирических зарисовках Горького многостороннее и своеобразное отражение. Например, Горький писал о необходимости строительства нового театрального здания и выдвигал идею создания театра для социальных низов. 

В этом же 1895 году в «Самарской газете» была напечатана валашская сказка в стихах Максима Горького. Многие русские газеты перепечатали на своих страницах стихотворные отрывки из этой сказки. Произведение стало широко известно. Стихи заучивали наизусть, напевали, подбирая к ним подходящий мотив. Инициатором переложения стихов на язык профессиональной музыки был сам Горький, к которому обратился композитор А.А. Спендиаров в поисках сюжета для музыкального произведения. Баллада Спендиарова «Рыбак и фея» – одно из первых произведений на горьковский сюжет, исполненных на концертной эстраде. Первым исполнителем баллады стал певец-любитель, друг М. Горького и А.П. Чехова, врач Александр Николаевич Алексин.

Источник:

Дмитриевский В. Шаляпин и Горький. – Ленинград: Музыка, 1981.

Иванов А.С. Горький в музыке. – М.: Советский композитор, 1969.

Биография писателя на портале Культура.РФ 

Аудиовыставка «Горький среди нас»

30 марта 1746 года в арагонской деревеньке, в семье мастерового родился выдающийся испанский живописец Франциско Хосе де Гойя, кисти которого принадлежат многие знаменитые полотна, в том числе «Бедствия войны», «Семья Карла IV», «Игра в жмурки».

Творчество великого испанца сочетает передовую мысль эпохи и отзвуки устойчивых народных верований, широту общественных позиций и сильнейший отпечаток его субъективных переживаний, сосредоточенной страстности натуры; оно поистине неисчерпаемо.

Искусство Гойи далеко опередило свою эпоху. Попытки его прямолинейного истолкования всегда обречены на неудачу. В искусстве Гойи нерасторжимо слиты свет и мрак, добро и зло, отчаяние и надежда, ненависть и сострадание, горький пессимизм и неистовое утверждение жизни.

Гойя насытил свое искусство могучей стихией реальности, которая даже при самых невероятных взлетах его фантазии не разрывает связи с породившей ее почвой. Впервые в истории искусства Гойя с дерзновенной смелостью увидел дьявольский лик окружающего мира, сковывающий людей страхом непознаваемого, смерти, гнетом мракобесия, трагедией спящего и околдованного Разума.

Источник: Гойя//текст Т. Каптерева – М.: Белый город, 2003.

О художнике

30 марта 1853 года родился выдающийся голландский художник, представитель постимпрессионизма Винсент Ван Гог.

Картины Ван Гога значительны в своей простоте и непосредственности, в экспрессии эмоционального воздействия. Их сила проистекает из любви и открытости художника по отношению к каждому предмету, видимому им подле себя, по отношению к человеку и природе. Радость, которую испытывал Винсент, идентифицируя себя с окружающим миром, омрачалась в его сознании  глубоким эсхатологическим прозрением, ощущением быстротечности жизни и мрачным предчувствием смерти.

Прожив сложную и неупорядоченную жизнь, Ван-Гог много почерпнул из собственного опыта. Он был рожден в век, когда люди впервые в истории остро ощутили конечность своего существования, непреодолимое одиночество каждого в этом мире, утрату той трансцендентной силы, которая некогда была защитой и опорой. Винсент был поистине сыном своей эпохи.

Источник: Вальтер Ф., Мецгер Р. «Винсент Ван Гог. Полное собрание живописи. Часть 1». – М.: Арт-Родник, 2004.

О художнике 

31 марта

31 марта 1732 года в этот мир пришел Франц Йозеф Гайдн – великий австрийский композитор, «отец симфонии и квартета», основатель классической инструментальной музыки и родоначальник современного оркестра.

Он очень быстро завоевал признание своему выдающемуся таланту и заслужил имя «любимца народа», но те произведения, которые стяжали ему славу одного из величайших композиторов мира, были созданы Гайдном уже в зрелые годы своей жизни. Прозвище «папаша Гайдн», полученное им не только вследствие его дряхлости в последние годы жизни, но и благодаря общительному характеру, не должно заслонять от нас яркую и сильную волю, с какой он направлял свою внешне очень скромную жизнь.

Источник: Новак Л. Йозеф Гайдн. – М.: Музыка, 1973.

Йозеф Гайдн. Симфония № 45 (Прощальная). 1772 

31 марта

31 марта 1872 года родился Сергей Дягилев. В российской культуре этот человек занимает особое место: именно он «прорубил окно в Европу» русскому искусству.

Сережа Дягилев, как и все Дягилевы, и в этой непосредственности заключается характернейшая и значительнейшая семейная черта, не рассуждал о том, хороша ли музыка или плоха, следует или не следует ее любить и что именно следует и чего не следует, свидетельствует ли любовь к тому-то или тому-то о хорошем, изысканном, образованном вкусе или об отсталости. Дягилев воспринимал музыку, да и все искусство, «нутром», эмоционально и даже сентиментально. В частности, Чайковский так глубоко-эмоционально вошел в душу Дягилева, что вся последующая жизнь, когда он старался отойти от Чайковского, не могла уничтожить в нем его первой музыкальной любви и связанного с нею чисто эмоционального восприятия музыки.

Сергей Павлович Дягилев умел не только организовывать художественное творчество, соединять деятелей искусства, создававших неожиданное для них самих, но и сам участвовал в создании. Дягилевская печать лежит на всех произведениях, вызванных к жизни и сплоченных им художников, создававших новую эпоху в искусстве, во всех его областях.

Источник: Лифарь С. Дягилев с Дягилевым. – М.: Вагриус, 2005.

Статья «Сергей Дягилев: великий импресарио» 

32
0
5884
4
0
1

В арт-календаре специалисты отдела искусств Самарской областной универсальной научной библиотеки расскаывают о знаковых датах в мире искусства.

Если вы хотите поставить этой виртуальной выставке "лайк" или "дизлайк", а также, если вы хотите оставить свой комментарий, вы должны авторизоваться на сайте со своим e-mail и паролем.