1 ноября

1 ноября 1911 года родился Сергей Дмитриевич Столяров, киноактер, обладающий великолепными внешними данными и мужественным обаянием. У каждого крупного артиста есть какая-то основная роль, определяющая его дальнейший и творческий путь. Сергей Столяров сыграл И. Мартынова из кинофильма «Цирк». И дело даже не в том, что этот фильм принес ему известность (картина получила первую премию на Всемирной выставке в Париже в 1937 году). «Цирк» по количеству сборов занимал первое место в истории отечественного проката: Столярова стали узнавать на улице и называть именем героя фильма Мартыновым или Петровичем; он стал в некотором роде символом эпохи 30-х годов. Наш кинематограф всегда занимал особое место в сердцах людей. Герой на экране был красив, мужественен, внутренне благороден и, несмотря на многоликость, прекрасен в своей гармонии и внешней и душевной. Зрители отождествляли артиста с тем характером, образом, который они видели на экране.

Этот герой мог быть и сказочным былинным богатырем, как Сергей Столяров. Ему верили. Сергею Дмитриевичу из-за внешнего сходства часто приписывали роли Николая Черкасова. Но Столяров играл былинных героев, а Черкасов в фильме Эйзенштейна – Александра Невского. И тем не менее многие считали, что Александра Невского сыграл Сергей Столяров, ведь Невский – тоже былинный богатырь в латах, в одежде древнерусского воина. И случилась такая странная вещь: орден Александра Невского, которым награждали наших полководцев, выполнен не с Черкасова, а с Сергея Дмитриевича Столярова. Ювелир взял его профиль из картины «Василиса Прекрасная».

Источник: Кирилл Столяров «Родовые сны. Монологи об отце». – Москва: «Алгоритм», 2001.

Сергей Столяров. Легенды мирового кино. Программа о судьбах звёзд мирового кинематографа

2 ноября

2 ноября 1699 года родился Жан Батист Шарден – самый выдающийся мастер натюрморта и жанровой живописи 18 века. Великий просветитель Дидро писал о нем: «Ты берешь воздух и свет на кончик твоей кисти и накладываешь их на холст». Уже в первой самостоятельной работе (вывеске на доме цирюльника-хирурга) проявляется самобытная черта художника: тяготение к жанровым подробностям. Героями сцены оказания помощи раненному на дуэли оказываются не только дуэлянт и лекарь, но и прохожие зеваки. Однако главное место в творчестве мастера занимает не жанровая картина, а натюрморт. Первые работы в этом направлении относятся к середине 1720-х гг. В 1724 году он становится членом Академии св. Луки. В 1728 году Шарден проводит выставки своих работ («Буфет», «Скат» – обе в Лувре в Париже), принесшие ему успех, после которого художника принимают в Королевскую академию. 1730–1740-е годы становятся временем творческого расцвета художника. В эти годы он создает свои лучшие жанровые картины, герои которых – простые жители Парижа, города, в котором живописец провел всю свою жизнь. В работах мастер просто и естественно изображает уклад жизни маленького человека – его труд, семью, – поэтизируя и возвышая повседневность. Духовное состояние героев в будничной жизни становится для Ж.-Б. Шардена источником идеальных черт.

Источник: «Энциклопедия мировой живописи»/составители: Т.Г. Петровец, Ю.В. Садомов. – Москва: «Олма-Пресс», 2001.

О художнике на портале «Артхив»  

5 ноября

Как-то в предвоенные годы был проведен такой эксперимент. В кинематографический дом зашел соседский мальчуган лет десяти-одиннадцати. Показали ему подлинные фотографии Чапаева. «Кто это?» – «Чапаев». – «Не похож», – решительно заявил мальчик: он часто играл в «Чапаева», но мыслил героя только в облике актера Бабочкина. Никакого другого Чапаева признать не хотел. Такова была колдовская сила знаменитого фильма о комдиве, премьера которого состоялась 5 ноября 1934 года, в Ленинграде, в кинотеатре «Титан». Кинофильм стал культовым для нескольких поколений советских людей. «Чапаев» задумывался как фильм актерский. Этот замысел отчетливо выразился уже в заявке братьев Васильевых: «Мы хотим показать людей, которые движут события, и события, которые движут и раскрывают этих людей. Взаимосвязь этих двух линий – человека и событий – является для нас центральной творческой задачей. Отсюда – наша ставка на работу с актером. Вместе с актером, через актера мы хотим волновать зрительный зал, хотим, чтобы зритель любил наших героев и ненавидел наших врагов».

Источник: «Российский иллюзион» [сборник], ответственный ред. Л. М. Будяк. – Москва: «Материк», 2003

Художественный фильм «Чапаев» (1934) на портале «Культура.РФ» 

6 ноября

6 ноября 1794 года родился Константин Андреевич Тон, один из крупнейших архитекторов XIX века. Он вошел в историю мировой культуры как создатель Храма Христа Спасителя, Большого Кремлевского дворца, Оружейной палаты, здания Малого театра и первых столичных железнодорожных вокзалов. В октябре 1803 года будущий архитектор был определен в Петербургскую академию художеств, а с 1809 года начал специально заниматься архитектурой и очень успешно. В начале 1810-х годов он создает первые в своей жизни проекты крупных зданий: в 1811 г. – «великолепное и обширное здание среди сада, удобное для помещения в нем всяких редкостей», в январе 1812 г. – «план для общественного увеселения жителей столичного города». Учеба Тона в Академии художеств была плодотворной, и он из года в год получал медали, отмечавшие высокие достоинства его проектов. Константин Андреевич учился в пору высшего расцвета классицизма и мощного патриотического подъема, вызванного Отечественной войной 1812 года. Тогда еще ничто не предвещало факта появления мастера, творчество которого станет символом ведущего национального направления в послеклассический период развития архитектуры. Осенью 1819 года Тон вместе с П.В. Басиным выезжает за границу, а по приезду в Петербург творчество архитектора развивается в основном в двух направлениях. С одной стороны, он продолжает проектировать, как и в годы учебы в академии, в стиле классицизма, с другой – в его творчестве все большее место начинают занимать постройки в «русском» стиле. К числу последних относятся и сооружения, возведенные по проектам Тона в Москве; они занимают весьма солидное место в его обширном наследии. Именно возведенные по проекту Тона сооружения в «русском» стиле во многом определили облик центра Москвы 40–60-х гг. XIX века.

Источник: «Зодчие Москвы», кн. I /составитель Ю. С. Яралов. – Москва: «Московский рабочий», 1981.

Об архитекторе на портале «Культура.РФ» 

8 ноября

Есть в истории русской сцены имена, обладающие притягательной силой для современников и с благодарностью произносимые потомками. В ряду этих имен имя Веры Федоровны Комиссаржевской по праву занимает одно из первых мест. Великая русская драматическая актриса родилась 8 ноября 1864 года. Ее голос современники называли «скрипкой Страдивари». Вера Федоровна была цельной натурой и безраздельно отдала себя любимому делу – служению театру. В своем искусстве Комиссаржевская воплотила идеалы дореволюционной художественной интеллигенции – мечты о счастье народа, о светлом будущем страны, о преобразовании жизни. Актриса не вела дневников, не оставила воспоминаний, автобиографии, статей о театре, мало рассказывала о себе журналистам. Ее взгляды на жизнь, на искусство, нравственно-философские искания и эстетика отражены в письмах. В истории эпистолярного жанра трудно найти документы такой искренности, как письма актрисы. Для них характерна душевная взыскательность, честность, прямота жизненных и творческих принципов.

Источник: «Вера Федоровна Комиссаржевская. Письма актрисы. Воспоминания о ней. Материалы» / редактор-составитель А. Я. Альтшуллер. – Ленинград–Москва: «Искусство», 1964.

Документальная программа, посвященная актрисе 

9 ноября

9 ноября 1929 года в посёлке Бекетовка, позже вошедшем в состав города Волгограда, родилась композитор Александра Пахмутова. Многие песни Александры Николаевны уже прочно вошли в нашу жизнь, стали неотделимой ее частью. Они звучат на официальных празднествах, их поют и на дружеских вечеринках. Лучшие песни композитора опираются на ясные и точные литературные образы, выраженные емкими и свежими стихами. Характерная примета композиторского облика Пахмутовой – простота ее искусства. Она не только при помощи музыки умеет устанавливать контакты с аудиторией, но и испытывает потребность в непосредственном, личном общении со слушателями. Ее при этом мало заботят проблемы ораторского пафоса: ни красивых фраз или эффектных концовок, ни каскадов острословия. В жизни веселый и остроумный собеседник, Александра Николаевна, выступая перед аудиторией, вовсе не стремится выставить саму себя в каком-то неожиданном, новом ракурсе. Единственная цель, которую она преследует, – это помочь людям постигать адресованную им музыку.

Источник: Е. Добрынина «Александра Пахмутова». – Москва: «Советский композитор», 1973.

О сочинениях Александры Пахмутовой на портале «Культура.РФ»

14 ноября

14 ноября 1840 года родился французский живописец Клод Моне. Когда мальчику было пять лет, его семья переехала в Гавр – крупный порт на северо-западе Франции; там родители Моне открыли небольшое торговое предприятие. Так в жизнь будущего художника вошли две темы, во многом определившие его творчество, – море и город. В 1920-е годы Моне превратился в живую легенду: последний из импрессионистов, патриарх французской живописи, он был когда-то главным зачинателем этого направления. Однако путь от непризнания к славе, от нищеты к благополучию был слишком долгим. На глазах Моне и сам импрессионизм стал уже далекой страницей истории французского искусства; рождались, завоевывали известность и исчерпывали себя новые и новейшие течения, стремительно менялись вкусы и пристрастия как зрителей, так и художественной критики. В старости Моне был равнодушен к славе и похвалам. Преодолевая усталость, болезни и одиночество, он настойчиво работал над созданием своего главного «художественного завещания» новому веку: серией из четырнадцати больших декоративных панно Нимфеи (каждое – четыре метра в ширину), которые должны были украсить стены двух просторных овальных залов, специально сооруженных архитектором Лефевром в Музее Оранжери в Париже. Это был дар художника французскому государству, итог его долгой творческой жизни.

Источник: «Клод Моне»/редактор Е. Галкина. – Москва: «Белый город», 2003.

О художнике на портале «Артхив» 

16 ноября

16 ноября 1871 года выпускник Петербургской Академии художеств, двадцатисемилетний Илья Репин был удостоен Большой золотой медали и звания художника I степени с правом 6 – летнего пенсионерства (3 года за границей и 3 года в России). Эти регалии художник получил за картину «Воскрешение дочери Иаира», написанную на библейский сюжет, которая ныне находится в Русском музее. Репутация Репина как художника, соединившего в своем творчестве лучшие черты русского реализма, сложилась еще при его жизни. «Кто из нас не помнит, как в дни нашей юности мы преклонялись перед именем Репина? Мы нетерпеливо ждали его новых произведений… Изучали каждый мазок на его картине, самый холст, называвшийся репинским, и казалось, что иначе, сильнее, чем Репин, нельзя и трактовать натуру, не говоря уже об образах в его картинах. Они казались жизненнее самой жизни, столько в них было правды и силы», – писал Яков Минченков в знаменитых «Воспоминаниях о передвижниках». Действительно, искусство Репина являет собой квинтэссенцию тех тенденций и приемов воздействия на зрителя, которые были выработаны в контексте реализма второй половины XIX века – это в известной мере собирательный образ русского искусства того времени, включая жанровый репертуар, художественные средства, соотношение между жанрами.

Источник: «Илья Репин» / редактор Н. Надольская. – Москва: «Белый город», 2000.

О художнике на портале «Культура.РФ»

18 ноября 

18 ноября 1787 года родился Луи Жак Манде Дагер, создатель первых фотоснимков, называемых в соответствии с именем автора дагеротипами. Луи Жак Манде Дагер не изобрел фотографию, но он сделал ее действующей, популярной. Идея Дагера заключалась в том, чтобы получать изображение с помощью паров ртути. Сначала он проводил опыты с бихлоридом ртути, но изображения получались очень слабыми. Затем он усовершенствовал процесс, использую сахар или закись хлора, и наконец, в 1837 году, после одиннадцати лет опытов, он стал подогревать ртуть, пары которой проявляли изображение. Он превосходно фиксировал полученную картинку, пользуясь сильным раствором соли для смывки частиц серебряного йодида, не подвергшихся воздействию света. Принцип Дагера проявлять с помощью ртутных паров был оригинален и надежен. Изобретатель с тяжелой камерой и громоздким оборудованием делал фотографии на бульварах Парижа, многие его узнавали. Но он не объяснял своего процесса, бизнесмены оставались равнодушными к возможностям фотографии.

Потом фотограф решил заинтересовать своим изобретением ученых, в частности, влиятельного астронома Доменика Франсуа Араго, который доложил Академии наук о достижении Дагера и предложил французскому правительству купить патент на изобретение фотографа. Сообщение о дагеротипе произвело сенсацию. Признание и слава Дагера росли по мере того, как его изобретение повсюду покоряло воображение людей.

Источник: П. Поллак «Из истории фотографии». – Москва: «Планета», 1983.

О фотографе на портале Arzamas.academy  

21 ноября

21 ноября 1920 года родился композитор Ян Френкель, автор множества популярных в СССР песен, близких по интонационному строю к городскому и крестьянскому фольклору: «Текстильный городок», «Калина красная», «Русское поле», «Журавли»… Особенно много мелодий композитор писал на стихи Инны Гофф, Игоря Шаферана, Михаила Танича и Константина Ваншенкина. Ян Френкель попробовал себя чуть ли не во всех музыкальных профессиях. Был он исполнителем – играл в оркестрах и ансамблях на скрипке, аккордеоне, рояле. В комбинате Музыкального фонда работал корректором; сделавшись оркестровщиком, помогал в этой области многим композиторам. Юрий Саульский, уже тогда хорошо знавший Френкеля, характеризовал его как исполнителя-инструменталиста: «Всеобщее восхищение вызывал Ян Френкель. На своей скрипке он воспроизводил манеру лучших джазовых саксофонистов 30-х годов – Хокинза, Уэбстера, Вентуры. Звук его скрипки был очень теплым, полным, задушевным, интонации исключительно точными. Френкель также был талантливым импровизатором. Привлекала его музыкальность, какая-то истовая влюбленность в джаз. Как сейчас вижу: большого роста, слегка сутулый, он подходил к микрофону и играл на скрипке так, что всё останавливалось, замирало. Скрипка была как бы его продолжением… Это был не просто виртуоз – это был настоящий артист джаза».

Источник: Т. Журбинская «Ян Френкель». – Москва: «Советский композитор», 1988.

Фрагмент концерта Яна Френкеля в Колонном зале (1982 г.)

25 ноября 

25 ноября 1735 года в Москве был отлит Царь-колокол. Его история начинается во времена Бориса Годунова, повелевшего отлить колокол весом более чем в тысячу пудов и повесить на деревянном срубе. Однако в один из кремлевских пожаров деревянная звонница сгорела, колокол упал и разбился. Алексей Михайлович приказал перелить его с большей добавкой металла, доведя вес до 8000 пудов, и поместить на Филаретову пристройку. Но царский благовестник повторил судьбу предшественника, разбившись при пожаре 1701 года. В 1730 году только что взошедшая на престол императрица Анна Иоанновна пожелала еще раз перелить обломки. Новый колокол должен был весить 13000 пудов (более 200 тонн). Отливка колокола такого размера представляла чрезвычайно сложную техническую задачу. Разрешить ее взялся мастер Иван Моторин. Прямо на площади летом 1734 года начали устраивать печи: первая отливка прошла неудачно, второй занимался уже его сын Михаил. 25 ноября 1735 года литье было благополучно закончено. Скульптор Ф. Медведев, некогда посланный Петром I для обучения в Венецию, украсил литейную форму множеством орнаментов, надписей и рельефными фигурами Алексея Михайловича и Анны Иоанновны. Примечательно, что для последней отливки колокола потребовалось всего 72 минуты, но вытащить его из литейной ямы так и не смогли. Два года спустя при пожаре от колокола откололся кусок. И только в 1836 году гиганта наконец извлекли наружу и установили на постаменте.

Источник: И.Л. Бусева-Давыдова «Храмы московского Кремля: святыни и древности». – Москва: «Наука», 1997.

10 историй русских колоколов на портале «Культура.РФ»

28 ноября

28 ноября 1880 года в Санкт-Петербурге, в профессорской семье родился Александр Блок – русский поэт и драматург, один из наиболее ярких представителей русского Символизма, литературного направления, оказавшего глубокое влияние на всю последующую русскую и мировую литературу. Блок не раз говорил, что главенствующее место в его творчестве занимает тема Родины, России, что ей он «сознательно и бесповоротно» посвящает свою жизнь. Но Блок создает не только зримый образ России. Она предстает у него и в звучаниях песен: обрядовых, «звенящих тоской острожной» ямщицких, надрывных цыганских, солдатских, частушечных. Во многих случаях, говоря о пении, Блок не упоминает названия песен, не цитирует их. Он чутко прислушивался к мелодическому строю русской песни и считал, что сам напев способен передать всю глубину эмоций. И в стихах поэт стремился различными приемами передать музыкальное своеобразие песен. Помимо внимания к интонационной стороне напева, Блок привносил в стихотворение характерные выразительные особенности того или иного песенного жанра. В круг музыкальных интересов поэта входила и концертная практика Петербурга. Известно, что он часто бывал на концертах Шаляпина, Олениной-Д’Альгейм, Дельмас, Ершова, Малько, Кусевицкого.

Источник: «Блок и музыка»/составители: Т. Хопрова и М. Дунаевский. – Ленинград: «Советский композитор, Ленинградское отделение», 1980.

О поэте на портале «Культура.РФ»

29 ноября

29 ноября 1797 года родился итальянский композитор, дирижер и педагог Гаэтано Доницетти. Судьба творческого наследия Гаэтано Доницетти, одного из великих кумиров европейской оперной сцены 20–40-х годов XIX века, во многом напоминает судьбу творчества его предшественников – итальянских оперных композиторов XIII столетия: блистательное признание и прижизненная слава сменяются на многие десятилетия равнодушием и почти полным забвением его музыки. Возрождение интереса к операм выдающегося мастера итальянского бельканто наступило после Второй мировой войны, когда в широкой демократической аудитории оперного театра наметилось и быстро развилось тяготение к классическому и доклассическому искусству. В 11 номере журнала «Музыкальная жизнь» за 1976 год была опубликована заметка «Новая популярность Доницетти», в которой, в частности, говорится: «Свидетельством несомненного роста интереса к творчеству классика бельканто стала и первая международная конференция по изучению творчества Доницетти, состоявшаяся на родине композитора – в городе Бергамо. Более тридцати музыковедов и театральных деятелей Италии, Германии и Англии рассмотрели целый комплекс вопросов, связанных с изучением и интерпретацией опер Доницетти. Результаты конференции опровергают распространенную точку зрения, согласно которой Доницетти наряду с подлинными шедеврами создал и немало заурядных опер, по праву забытых человечеством. Большинство выступавших на конференции утверждало, что наследие великого музыканта содержит много ценного».

Источник: Дж. Донати-Петтени «Гаэтано Доницетти». – Ленинград: «Музыка, Ленинградское отделение», 1980.

Гаэтано Доницетти. «Анна Болейн» – опера в концертном исполнении на портале «Культура.РФ»